Schönheit im Alltäglichen finden – mit der nigerianisch-amerikanischen Künstlerin Wura-Natasha Ogunji

Die Kreativen hinter unserer neuen Künstleredition laden uns ins Herz von Lagos ein

Gibt es eine universelle Suche nach dem richtigen Weg im Leben? Wir wagen uns in das pulsierende Herz von Lagos, Nigeria, und suchen nach Antworten mit Wura-Natasha Ogunji, der bildenden Künstlerin hinter unserem neuen Künstleredition, deren Erlös wir an Frauen in Not spenden.

Wie oft kommt es vor, dass Sie mit Fremden ins Gespräch kommen – sie herzlich begrüßen oder ihnen spontan zulächeln –, ohne Angst davor zu haben, als peinlich oder, schlimmer noch, unheimlich abgestempelt zu werden? Die bildende Künstlerin, Fotografin und Performerin Wura-Natasha Ogunji entdeckte die Schönheit solcher unscheinbarer Begegnungen nicht in den USA, wo sie aufwuchs, sondern im pulsierenden Herzen von Lagos, der bevölkerungsreichsten Stadt Afrikas, die mit fast 15 Millionen Einwohnern weit entfernt ist von ihrem früheren Wohnsitz in Austin. Und doch empfindet Ogunji die Stadt, obwohl sie sich ausbreitet und von ungestümer Energie widerhallt, paradoxerweise auch als klein und eng – als einen Ort, an dem sich die Menschen kollektiv „umeinander kümmern“.

Nachdem sie sich im Heimatland ihres Vaters niedergelassen hatte, eröffnete Ogunji ihren experimentellen Kunstraum,Das Baumhaus, 2018 im gehobenen Stadtteil Ikoyi, womit ein neues Kapitel in ihrem Werk beginnt: komplizierte Zeichnungen und originelle Stickereien, bei denen sich handgenähte Stücke auf Transparentpapier mit perlmuttartigen Tinten und einem durchscheinenden Schimmer verflechten. Darüber hinaus erstreckt sich ihr künstlerischer Ausdruck auf maskierte Inszenierungen in städtischen Umgebungen. Ihre jüngste Ausstellung in der Londoner Tate Modern, ihre Teilnahme an der Biennale in Sydney und ihre Aufnahme in das Pariser Museum of Modern Art unterstreichen die Wellen, die sie auf der Weltbühne schlägt. Sie war auch Künstlerkuratorin für die 33. Biennale von São Paulo, wo ihre groß angelegte Performance Days of Being Free erstmals präsentiert wurde.

Ogunjis Zeichnung „Die, wo es Frühling ist“ wurde von Djibril Diop Mambétys Film Touki Bouki inspiriert, in dem es um einen Kuhhirten und seine Freundin, die Studentin ist, im Senegal geht, die ihres Lebens überdrüssig sind und sich auf eine waghalsige Reise begeben, um mit dem Boot nach Frankreich zu fliehen. Ogunjis Interpretation der wichtigsten Szene des Films – in der der Kuhhirte verzweifelt zum abfahrenden Boot rennt, seine Freundin bereits an Bord ist, es aber nicht rechtzeitig erreicht – symbolisiert nicht nur ein verpasstes Schiff, sondern auch eine Abweichung von der beabsichtigten Flugbahn der Figur. Dies ruft bei Ogunji eine tiefere Reflexion hervor und lässt sie die schwer fassbare Natur des richtigen Lebenswegs in Frage stellen – können wir ihn jemals wirklich finden? Indem Ogunji ihre Gedanken aus ihrer Wahlheimat Lagos mit uns teilt, lädt sie uns ein, die Feinheiten kennenzulernen, die die Stadt prägen und die wiederum den Verlauf ihrer Karriere geprägt haben.

Sie sind in den USA aufgewachsen, Ihre Mutter ist Amerikanerin, Ihr Vater ist Nigerianer. Wie hat Ihre Doppelidentität Sie als Mensch und als Künstler geprägt?

Meine Mutter hatte eine radikale Weltanschauung – sie stellte die Welt oft in Frage – und wir wuchsen in einem sehr kreativen Umfeld auf. [Ogunjis Bruder und Schwester sind ebenfalls Künstler.] Wir hatten auch eine sehr breite religiöse Erziehung – meine Mutter wurde katholisch erzogen und konvertierte zum Judentum – und lernten viele Perspektiven kennen. Da mein Vater Nigerianer ist und ich dann hier gelebt habe, habe ich gelernt, dass es verschiedene Arten gibt, in der Welt zu leben. In den USA hat man das Gefühl, dass man jeden Teil der Welt kennen kann und dass man alles, was man nicht weiß, in sein eigenes Verständnis übertragen kann. Aber da ich hier lebe und zum Teil Nigerianer bin, habe ich erkannt, dass manche Dinge an anderen Orten einfach keinen Sinn ergeben. Diese Perspektive ist wirklich erstaunlich, sowohl als Mensch in der Welt als auch in meiner kreativen Praxis, weil sie es mir ermöglicht, verschiedene Dinge auszuprobieren und darüber nachzudenken, wie sie an verschiedenen Orten ankommen, und meinen Horizont zu erweitern. Das ist eine Art Freiheit.

Welche besonderen Unterschiede sind Ihnen am meisten aufgefallen?

Die Vorstellung, dass es ein ganzes Dorf braucht, um ein Kind großzuziehen. Wenn ein Kind in Nigeria etwas falsch macht, kann eine andere Person – ein Fremder – es ansprechen und es bitten, damit aufzuhören, und die Mutter oder der Vater sind desillusioniert. Es herrscht das Gefühl, dass jeder Mensch, sogar ein Kind, ein Mensch mit Freunden und Beziehungen ist. In den USA hingegen sind die Dinge viel individueller und auf die Familie ausgerichtet. Außerdem gibt es diese Art, die Anwesenheit von Menschen zu begrüßen, etwa indem man „Guten Morgen“ oder „Hallo“ sagt, während es in den USA akzeptabel ist, vorbeizugehen, ohne Augenkontakt herzustellen – obwohl man dort eine gewisse Privatsphäre hat, die man hier nicht hat.

Was das Kunstmachen angeht, muss ich hier anders an mein Publikum denken: Es ist viel lauter und fragender, und es gibt kein gemeinsames Verständnis davon, was wir uns ansehen sollten. Man muss also diese Gespräche in Gang setzen, die in diesem Kontext Sinn machen, was wirklich schön ist. Nigerianer reagieren auf bestimmte Dinge, auf die Amerikaner in Bezug auf die Kunst selbst nicht reagieren.

Sie haben an der Stanford University in Kalifornien Anthropologie studiert und sich dann der Fotografie zugewandt, bevor Sie sich dem Zeichnen und der Performancekunst zuwandten. Erzählen Sie mir von Ihrer Faszination für Anthropologie. Wie inspiriert sie Sie und Ihre Kunst heute?

Zum einen hatte ich diese sinnliche und ästhetische Beziehung zu Objekten – ihren Geist und ihre Präsenz –, interessierte mich aber auch für natürliche Materialien. Die Anthropologie in ihren neueren radikalen Formen hat etwas wirklich Schönes an sich – diese Beobachtung von Kultur und Außenseitern. Sich in vielerlei Hinsicht als Außenseiter zu fühlen, wenn man aufwächst – als Schwarzer in den USA, als Mischling mit einer weißen Mutter – macht die Dinge, die man beobachtet, zu etwas ganz Besonderem. Es ist etwas Schönes, etwas aus der Ferne wertschätzen zu können, obwohl man mittendrin steckt.

Hat es auch Ihre Leidenschaft für Masken geweckt, die in Ihren frühen Werken oft präsent waren?

Ja! Masken haben mich schon immer sehr interessiert – ihre transformative und spirituelle Kraft und wie sie diesen Schwellenraum in einer Gemeinschaft schaffen. Das spiegelt sich auch in meiner Einstellung zum Zeichnen wider – es ist ein Ort, an dem alles passieren kann und die Seite heilig ist. Dinge können hineingehen, herauskommen und transformiert werden.

In Ihren Zeichnungen sind viele Läufer zu sehen. Wie hat Sie Ihr Lauftraining zu Werken wie „Das, wo es Frühling ist“ inspiriert?

Mich interessiert wirklich, wohin das Laufen Geist und Körper führt, wie es die Oberfläche zum Leuchten bringt – die Schönheit der Bewegung – aber auch die Frage, wie wir auf dieser Lebensreise zu uns selbst finden und auf dem richtigen Weg sind. Begegnen wir uns selbst und manchmal auch nicht?

Es ist, als wäre man wieder zwischen zwei Welten, nicht wahr?

Absolut. Ich reise viel, daher kommt das Gefühl des Nomadendaseins in mir zum Ausdruck. Wohin renne ich und woher? Warum diese ständige Bewegung? Manchmal, denke ich, ist es bequemer. Besonders als Künstler ist es so gut, sich von verschiedenen Orten inspirieren zu lassen und so viele verschiedene Menschen zu treffen – es ist fast zu einfach. Es ist etwas Besonderes, weil es uns zugutekommt, unsere Wurzeln zu verlassen und an einem anderen Ort Kontakte zu knüpfen und Menschen zu treffen, die unsere Leute sind. Wenn Sie reisen, verlassen Sie sich selbst und finden sich selbst, aber in einer anderen Form. Sie leben ein anderes Leben, aber es ist eine Version von Ihnen, so wie Ihre Freunde Versionen von Ihnen sind und Sie Versionen von ihnen.

Im Jahr 2014 haben Sie beschlossen, nach Lagos umzuziehen, nachdem Sie die Stadt 2011 zum ersten Mal besucht hatten. Erzählen Sie mir von Ihrem Leben dort und wie es Sie zu Ihrer Arbeit inspiriert.

Es ist wunderschön, hier zu sein. Es herrscht eine gewisse Energiekompression, weil wir nicht immer Licht haben. Wir haben nicht immer Wasser. Es kann hektisch zugehen. Diese Herausforderungen komprimieren Zeit und Konzentration. Ich male auch große Ölgemälde, was ein ziemlich neuer Teil meiner Arbeit ist, und ich male sehr schnell. Ich denke, es ist ein Geschenk zu sehen, was innerhalb solcher Einschränkungen möglich ist, besonders für kreative Menschen – was man nicht hat, wird tatsächlich zu einer Öffnung für das, was möglich ist.

Ich finde es toll, wie Sie in etwas, das manche für Chaos halten, so viel Schönheit sehen …

Manchmal geht man die Straße entlang, es ist heiß, es ist viel los, die Leute sind auf dem Weg zur Arbeit oder was auch immer. Wenn ich eine ältere Frau grüße, sage ich „Guten Morgen, Tante“. Und sie sagt nur „Guten Morgen, Liebling“. Die Art, wie sie es sagt, ist so süß und liebevoll. Da ist ein Gefühl von tiefem Trost, Anerkennung und Fürsorge. Die Leute sind geschäftig, aber es gibt diese Momente … Wenn Sie in den Bus einsteigen, bezahlt manchmal ein Fremder Ihren Fahrpreis. Ich finde das sehr berührend, weil die Leute nicht viel haben und trotzdem diese sehr menschlichen Gesten machen.

Wie spiegeln Ihre Zeichnungen dieses Gefühl wider?

Diese magischen Blasen kommen auch in der Zeichnung vor. Sie können sie betrachten und betreten. Sie holt Sie aus Ihrem aktuellen Umfeld heraus und lässt Sie einen Moment anders erleben. Diese Öffnungen in einer geschäftigen Stadt sind exquisit, etwas, das man in einem Dorf oder einer Kleinstadt erwarten würde.

Das Leben in Lagos hat auch Ihr Interesse an Performancekunst geweckt, in der Sie Ihre Beobachtungen zum Ausdruck bringen. Wie erleben Sie das öffentliche Leben in Lagos und wohin würden Sie uns mitnehmen?

Wenn ich unruhig bin, gehe ich frühmorgens auf den Markt, wenn die Leute noch wach sind. [Ich vertiefe mich in] die Ästhetik, den Lichteinfall, die Art, wie man in den Bus steigt. Sogar in einem öffentlichen Raum wacht jemand darüber oder verlangt von einem, dass man dafür bezahlt, sich dort aufzuhalten, oder hat etwas zu verkaufen. Ich mag diese Verhandlungen: Es gibt so viel Bewegung. Es ist wie ein Tanz, eine Choreographie, fast so, als würde man an einem Tanzkurs teilnehmen.

Bei Ihren Auftritten stehen oft Frauen im Mittelpunkt, Sie selbst eingeschlossen. Warum?

Es begann mit meinen Beobachtungen über Arbeit, Geschlecht und Ausdauer. Meine erste Performance „Will I still carry water when I'm a dead woman“ war ein Solostück, und weil ich gemischter Abstammung bin und nicht in Nigeria aufgewachsen bin, war ich mir nicht sicher, ob es relevant sein würde, also habe ich andere einbezogen. Mir wurde auch klar, dass der Raum der Rituale und der Maskerade in Nigeria eine wirklich interessante Öffnung für die Menschen schafft. Ich hatte Lust, Performances zu machen, die es Frauen ermöglichen, in einem öffentlichen Raum auf eine Weise zu sein, die sie in ihrem täglichen Leben normalerweise nicht erleben. Wenn man maskiert ist und Teil einer Performance ist, geben einem die Leute Platz, sie gehen weg, wissen Sie? Man muss sich nicht anpassen, die Welt passt sich für einen an, und ich fand es wirklich schön und kraftvoll, diese Erfahrungen der Freiheit für andere Menschen zu schaffen.

Die Fakten

Wura-Natasha Ogunjis Kunstwerk „The one where it's spring“ ist das Herzstück unserer neu eingeführten Künstleredition. Der gesamte Erlös der limitierten Gepäcklinie wird gespendet an Rollender Safespace (ROSA), eine von Ogunji ausgewählte Wohltätigkeitsorganisation, die weiblichen Flüchtlingen sofortige und direkte Hilfe leistet.

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