Trouver la beauté dans le banal, avec l'artiste nigériane-américaine Wura-Natasha Ogunji

Le créateur derrière notre nouvelle édition d'artiste nous invite au cœur de Lagos

Existe-t-il une quête universelle du bon chemin dans la vie ? Nous nous aventurons au cœur vibrant de Lagos, au Nigeria, en quête de réponses aux côtés de Wura-Natasha Ogunji, l’artiste visuelle à l’origine de notre nouvelle édition d’artiste, dont les bénéfices seront reversés aux femmes dans le besoin.

Combien de fois vous arrive-t-il d'initier des interactions avec des inconnus – de leur faire une chaleureuse salutation ou d'échanger un sourire spontané – sans craindre d'être catalogué comme maladroit ou, pire, effrayant ? Pour l'artiste visuelle, photographe et performeuse Wura-Natasha Ogunji, la révélation de la beauté de ces rencontres sans prétention ne s'est pas faite aux États-Unis, où elle a grandi, mais au cœur vibrant de Lagos, la ville la plus peuplée d'Afrique, qui, avec près de 15 millions d'habitants, est bien loin de son ancienne demeure d'Austin. Et pourtant, si Lagos est tentaculaire et vibre d'une énergie débordante, Ogunji la perçoit paradoxalement comme une ville petite et soudée, un lieu où les individus « prennent soin les uns des autres ».

Installée dans le pays natal de son père, Ogunji a lancé son espace d'art expérimental, The Treehouse, en 2018, dans le quartier huppé d'Ikoyi, catalysant un nouveau chapitre de son œuvre : imaginez des dessins complexes et des broderies originales, où des pièces cousues à la main sur du papier calque s'entremêlent à des encres nacrées et un éclat translucide. Au-delà de cela, son expression artistique s'étend à des mises en scène masquées en milieu urbain. Sa récente exposition à la Tate Modern de Londres, sa participation à la Biennale de Sydney et son inclusion au Musée d'art moderne de Paris soulignent l'impact qu'elle a sur la scène internationale. Elle a également été artiste-commissaire de la 33e Biennale de São Paulo, où sa performance à grande échelle Days of Being Free a été présentée pour la première fois.

Le dessin d'Ogunji, « Celui où c'est le printemps », s'inspire du film Touki Bouki de Djibril Diop Mambéty, qui raconte l'histoire d'un bouvier et de sa petite amie étudiante au Sénégal qui, las de la vie, se lancent dans un périple audacieux pour fuir la France en bateau. L'interprétation par Ogunji de la scène la plus importante du film – où le bouvier court désespérément vers le bateau qui part, sa petite amie déjà à bord, mais n'arrive pas à temps – symbolise non seulement un bateau raté, mais aussi une divergence par rapport à la trajectoire prévue du personnage. Cela suscite une réflexion plus profonde chez Ogunji, qui s'interroge sur la nature insaisissable du bon chemin dans la vie : pouvons-nous vraiment y être ? Partageant ses réflexions depuis sa ville d'adoption, Lagos, Ogunji nous invite à découvrir les subtilités qui caractérisent la ville et qui ont, à leur tour, façonné le cours de sa carrière.

Vous avez grandi aux États-Unis, d'une mère américaine et d'un père nigérian. Comment votre double identité vous a-t-elle façonné en tant que personne et en tant qu'artiste ?

Ma mère avait une vision du monde radicale – elle remettait souvent le monde en question – et nous avons grandi dans un environnement très créatif. [Le frère et la sœur d'Ogunji sont également artistes.] Nous avons également bénéficié d'une éducation religieuse très diversifiée – ma mère a été élevée dans la religion catholique et s'est convertie au judaïsme – et avons découvert de nombreuses perspectives. Avoir un père nigérian et vivre ici m'a permis de comprendre qu'il existe différentes manières d'appréhender le monde. Aux États-Unis, on a le sentiment de pouvoir connaître chaque partie du monde et que ce qu'on ignore peut s'intégrer à sa propre compréhension. Mais en vivant ici et en étant en partie Nigérian, j'ai réalisé que certaines choses n'ont aucun sens ailleurs. Cette perspective est vraiment extraordinaire, en tant que personne, et aussi dans ma pratique créative, car elle me permet d'expérimenter différentes choses, de réfléchir à leur impact sur différents lieux et d'élargir ma réflexion. C'est une liberté.

Quelles différences particulières vous ont le plus frappé ?

L'idée qu'il faut tout un village pour élever un enfant. Au Nigéria, si un enfant fait quelque chose de mal, une autre personne – un inconnu – peut lui parler et lui demander d'arrêter, et la mère ou le père s'en offusquent. On a le sentiment que chaque personne, même un enfant, est une personne avec des amis et des relations. Aux États-Unis, les choses sont beaucoup plus individuelles et centrées sur la famille. Il existe aussi une façon de saluer la présence des gens, comme dire « bonjour » ou « bonjour », alors qu'aux États-Unis, il est acceptable de passer sans croiser les regards – même si on y bénéficie d'une certaine intimité qu'on n'aurait pas ici.

En matière de création artistique, je dois aborder mon public différemment : il est beaucoup plus explicite et interrogatif, et il n'y a pas de compréhension commune de ce que nous devrions observer. Il faut donc créer des conversations qui ont du sens dans ce contexte, ce qui est vraiment agréable. Les Nigérians réagissent à certaines choses auxquelles les Américains ne réagissent pas, en termes d'art lui-même.

Vous avez étudié l'anthropologie à l'Université de Stanford en Californie, puis vous êtes orienté vers la photographie, avant de vous tourner vers le dessin et la performance. Parlez-moi de votre fascination pour l'anthropologie. Comment vous inspire-t-elle, vous et votre art aujourd'hui ?

D'une part, j'avais une relation sensuelle et esthétique aux objets – leur esprit et leur présence –, mais je m'intéressais aussi aux matériaux naturels. Il y a quelque chose de vraiment magnifique dans l'anthropologie, dans ses formes les plus radicales, cette observation de la culture et des étrangers. Se sentir étranger à bien des égards en grandissant – être noir aux États-Unis, être métisse avec une mère blanche – rend les choses que l'on observe très spéciales. Il y a quelque chose de magnifique à pouvoir apprécier quelque chose de loin, même si on y est.

Est-ce que cela a aussi suscité votre passion pour les masques, souvent présents dans vos premières œuvres ?

Oui ! J'ai toujours été très intéressé par les masques – leur pouvoir transformateur et spirituel, et la façon dont ils créent cet espace liminal au sein d'une communauté. Cela se reflète aussi dans ma façon de concevoir le dessin : c'est un lieu où tout peut arriver et où la page est sacrée. Les choses peuvent entrer, sortir et être transformées.

Vos dessins représentent souvent des coureurs. Comment votre pratique de la course à pied vous a-t-elle inspiré des œuvres comme « Celui où c'est le printemps » ?

Je m'intéresse vraiment à l'impact de la course sur le corps et l'esprit, à la façon dont elle illumine la surface – la beauté de l'action – mais aussi à la question de savoir comment, sur ce chemin de vie, nous retrouvons-nous et sommes-nous sur la bonne voie ? Nous retrouvons-nous, et parfois non ?

C'est comme être à nouveau entre deux mondes, n'est-ce pas ?

Tout à fait. Je voyage beaucoup, donc ce sentiment de nomade résonne en moi. Où est-ce que je cours et reviens ? Pourquoi ce mouvement constant ? Parfois, je me dis que c'est plus confortable. Surtout en tant qu'artiste, c'est tellement bon d'être inspiré par des lieux différents et de rencontrer des gens aussi différents – c'est presque trop facile. C'est spécial, car on profite du déracinement, des liens créés ailleurs et de la rencontre avec des gens qui sont les nôtres. En voyageant, on quitte soi-même et on se retrouve, mais sous une autre forme. On vit une vie différente, mais c'est une version de soi, comme nos amis sont des versions de nous-mêmes et nous, des versions d'eux.

En 2014, vous avez décidé de vous installer complètement à Lagos, après une première visite en 2011. Parlez-moi de votre vie là-bas et de la façon dont elle inspire votre pratique.

Être ici est magnifique. Il y a une compression d'énergie, car nous n'avons pas toujours de lumière. Nous n'avons pas toujours d'eau. La vie peut être mouvementée. Ces défis entraînent une compression du temps et de la concentration. Je réalise aussi de grandes peintures à l'huile, ce qui est assez récent dans ma pratique, et je peins très vite. Je pense que c'est un cadeau de voir ce qui est possible dans de telles contraintes, surtout pour les créatifs : ce qui manque devient une ouverture vers le possible.

J'aime la façon dont vous voyez tant de beauté dans ce que certains peuvent considérer comme du chaos…

Parfois, on marche dans la rue, il fait chaud, il y a du monde, les gens vont au travail ou ailleurs. Si je salue une femme âgée, je dis « Bonjour, ma tante ». Et elle me répond simplement « Bonjour, ma chérie ». Sa façon de le dire est si douce et affectueuse. On ressent un profond réconfort, une reconnaissance et une attention particulière. Les gens se bousculent, mais il y a des moments… Si vous montez dans le bus, il arrive qu'un inconnu paie votre ticket. Je trouve ça très émouvant, car les gens n'ont pas grand-chose et pourtant, ils ont des gestes très humains.

Comment vos dessins reflètent-ils ce sentiment ?

Ces bulles magiques se retrouvent également dans le dessin. On peut le regarder et y entrer. Cela nous emmène hors de notre environnement et nous permet de vivre un moment différemment. Ces ouvertures dans une ville animée sont exquises, quelque chose qu'on s'attendrait à trouver dans un village ou une petite ville.

Vivre à Lagos a également éveillé votre intérêt pour la performance, où vous incarnez vos observations. Comment percevez-vous la vie publique à Lagos et où nous emmèneriez-vous ?

Quand je suis agité, je vais au marché tôt le matin, quand les gens sont encore éveillés. Je m'imprègne de l'esthétique, de la lumière, de la façon dont on monte dans le bus. Même dans un espace public, quelqu'un veille, veut que vous payiez pour y entrer ou a quelque chose à vendre. J'aime ces négociations : il y a tellement de mouvement. C'est une sorte de danse, une chorégraphie, presque comme si vous suiviez un cours de danse.

Les femmes, y compris vous-même, occupent souvent une place centrale dans vos performances. Pourquoi ?

Tout a commencé par mes observations sur le travail, le genre et l'endurance. Ma première performance, « Will I still carry water when I'm a dead woman », était une pièce solo. Comme je suis métisse et que je n'ai pas grandi au Nigeria, je doutais qu'elle soit pertinente, alors j'ai inclus d'autres artistes. J'ai aussi réalisé que l'espace du rituel et de la mascarade au Nigeria crée une ouverture très intéressante. J'avais envie de créer des performances qui permettraient aux femmes d'accéder à l'espace public d'une manière qu'elles ne connaissent pas habituellement au quotidien. Si vous êtes masquée et que vous participez à une performance, les gens vous laissent de l'espace, ils s'éloignent, vous voyez ? Vous n'avez pas besoin de vous adapter, le monde s'adapte à vous, et j'ai trouvé que créer ces expériences de liberté pour d'autres était vraiment beau et puissant.

Le fond du problème

L'œuvre de Wura-Natasha Ogunji « Celui où c'est le printemps » est la pièce maîtresse de notre nouvelle édition d'artiste. Tous les bénéfices de la ligne de bagages limitée seront reversés à Rolling Safespace (ROSA), une organisation caritative sélectionnée par Ogunji qui fournit une aide immédiate et directe aux femmes réfugiées.

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